Выставка Гризайль

Куратор: Софья Симакова

Гармония — некий однородный свет, ощущаемый постепенно сквозь конструкцию. Этот свет за пределами наших чувств. Когда он заторможен нашими ограниченными органами чувств, его ощущают, не понимая его.

Владимир Вейсберг

Выставка «Гризайль» объединила объекты современного искусства и коллекционного дизайна разных эпох, стилей и направлений. Термин «гризайль» (фр. grisaille от gris — серый) обозначает вид живописи, выполненной тоновыми градациями одного цвета — чаще всего серого. Тончайшие переходы оттенков позволяют мастерам гризайля превосходно передавать объем через светотеневую моделировку, или кьяроскуро.

Французский художник Ив Кляйн описывает монохромное искусство как «превосходство чистого чувствования». В восприятии одноцветность не требует постоянного переключения между различными хроматическими регистрами. Это позволяет сосредоточить внимание на одной мысли или одном чувстве, что вызывает объект, и в полной мере раскрыть свойства его вещественности. Каждая работа, представленная на выставке, по-своему раскрывает природу монохромии, по аналогии с тем, как по-разному она понималась со времен своего появления и до наших дней. Несмотря на это, все их объединяет созерцательность, медитативность, они предполагают особый тип эстетического восприятия, предполагающий концентрацию на мельчайших деталях и свойствах материала.

Одна из центральных работ — минималистичный триптих пакистанского художника Вакаса Хана "Момент времени II". Вдохновляясь суфийским мистицизмом, медитативными практиками и персидской миниатюрой, он вручную создает монохромные композиции, напоминающие сложные системы-сети, с одной стороны, хаотичные, с другой, предельно простые: множество черточек и точек, форма и размер которых просчитаны с почти математической точностью, превращаются в законченную абстрактную композицию. «Я хочу, чтобы человек, глядя на мои работы, погружался в особое безмолвное состояние. И хорошо, если это состояние зритель сможет запомнить», — рассуждает Вакас Хан. Художник создает свои рисунки, находясь в состоянии полутранса. Каждая отметка на листе бумаги соответствует его вдоху, и каждый рисунок становится своеобразной стенограммой дыхания.

Монументальная работа Юрия Купера, центральная в большом зале, как и рисунок Вакаса Хана, также погружает зрителя в медитативное настроение, но делает это, используя средства живописной фактуры. По замыслу художника, взгляд зрителя должен входить в контакт с поверхностью картины и какое-то время по ней попутешествовать. Для Купера картина представляет собой плоскость, глядя на которую можно медитировать, как, например, смотреть на огонь в камине или на плывущее облако.

Скульптура швейцарско-французского художника Джулиана Шарьера «Наблюдать значит влиять» представляет собой карбонированную доску из тика с лазерной гравировкой. Ученик Олафура Элиассона, Шарьер также исследует природные явления и использует научный подход в соединении с художественным. Едва заметно выженный на поверхности дерева растительный узор иллюстрирует одну из ключевых тем, с которыми работает художник — взаимовлияние людей и окружающей среды.

Большая часть работ английского фотографа Сьюзан Дерджес вращается вокруг создания визуальных метафор, исследующих отношения между собственным внутренним миром и природой. стремится охватить как видимые, так и невидимые научные и природные процессы. Дерджес известна своим экспериментальным методом создания фотографий без традиционной камеры с использовнием разных техник, включая фотограмму. Камера всегда отделяет объект от зрителя, Дерджес же интересует более интимный контакт с миром.

Терракотовая скульптура Александра Нея "In dreams" вдохновлена древними культурами и отсылает к восточной философии.Немалое влияние на художника оказало творчество Николая Рериха и китайский мистицизм. “Точки, круги и квадраты, которыми я покрываю поверхности своих скульптур, были для древних китайцев мистическими фигурами. Квадрат — это четыре стороны света: вы встаете посередине и смотрите, куда двигаться и как жить. Точки — это как будто язык“, - говорит художник.

Две абстрактных композиции Виталия Пушницкого родились из особого отношения художника к физическим свойствам вещей, живопись у него сопоставляется с органическим изменением материи. Пушницкий создает символическое пространство, монохромность и руинированность которого отражает субъективное переживание времени. Представленные в экспозиции работы воссоздают поверхность замерзшей Невы.

Живописец, график и скульптор Игорь Шелковский, две скульптуры которого представлены в экспозиции, собирает из линейных структур вариативные композиции, сближаясь с экспериментами русского авангарда. По словам историка искусства Евгения Барабанова, скульптура Игоря Шелковского сохраняет главные признаки классической скульптуры «правдивость безупречной линии, гармонию форм в их архитектурном равновесии, безукоризненную слаженность, эллиптическую обобщенность».

Знаменитые кресла французского архитектора и дизайнера Пьера Жаннере были созданы в рамках урбанистического проекта Ле Корбюзье в индийском Чандигархе. Вся мебель была разработана совместно с индийскими ремесленниками, с активным использованием местного сырья: тикового дерева, хлопка и кожи. Редкое присутствие цвета на выставке можно отметить в интегрированной в комод мозаике Беатрис Серр и плоской вазе Карен Свами «Constellations III». Оба объекта объединяет присутствие эталонного сочетания золота и синего цвета, заменяющее черный и белый в византийской традиции иконописи, где по иронии никогда не использовался серый цвет.

Стул и стол дизайнерского дуэта из Тбилиси ROOMS изготовлены вручную, из дерева столетней давности. Реверанс в сторону грузинской этнической мебели, вдохновленный алхимией и мистицизмом.

Неоднородность представленной экспозиции даёт широкие возможности для зрительского восприятия и пространство для интерпретации. В ней нет нагромождения ненужных смыслов и искусственно сконструированных связей. Взгляд свободно скользит по пространству, не цепляясь ни за что кроме гармоничных сочетаний оттенков, поверхностей и материалов.